Óperas de Wagner y Cherubini dirigidas por Barenboim en Berlín

Tristan und Isolde

En febrero de 2018 representaron en la Ópera Estatal de Berlín el enésimo Tristán e Isolda dirigido por Barenboim. En esta ocasión, en lugar de deciros qué me pareció la dirección musical, transcribo las palabras escritas (y publicadas en internet) por Alejandro Martínez, comentario que suscribo: "Daniel Barenboim ha hecho de su orquesta, la Staatskapelle de Berlín, un músculo flexible capaz de adaptarse cada velada a un pathos distinto. Es más, se diría que Barenboim 'improvisa' cada noche un Tristán diverso, fruto de la más pura inspiración, con la seguridad de que su orquesta le sigue y le secunda hasta donde vaya. Eso es hacer música, por descontado, más allá de la pura ejecución mecánica de una partitura. De hecho me atrevería a decir que la representación, en realidad, sucedió en el foso, al margen de la propuesta de Tcherniakov sobre las tablas. Tal fue el grado de narratividad que Barenboim consiguió extraer de su orquesta. Desbordado y desbordante, desolado y desolador, sin refrenarse un ápice, Barenboim exhibió de nuevo su extraordinaria afinidad con esta partitura, que hoy en día dirige como nadie". Solo añado que no solo "hoy dirige como nadie": que más bien nadie la ha dirigido con tanto conocimiento, tan profunda apropiación de la partitura, y que cada vez hace algo diferente (escúchense sus cuatro grabaciones). Esta ha sido, posiblemente, la interpretación más incandescente que le he escuchado hasta ahora. La maleabilidad de la Staatskapelle Berlin es de no dar crédito. 

Barenboim ha contado en esta ópera con varios de los directores de escena más importantes de las últimas décadas: Jean-Pierre Ponnelle, Heiner Müller, Harry Kupfer, Patrice Chéreau y, ahora, Dmitri Tcherniakov (Dieter Dorn fue el responsable de su producción en el Met, que desconozco). Esta de 2018 es la más discutible. Pero el talentoso y desigual régisseur ruso ha arriesgado mucho y ha aportado no menos, aunque pueda ser muy objetable. El amor ha sido des-idealizado, desmitificado de un modo radical: ya cuando los protagonistas beben el filtro, nada más darse cuenta de que no se mueren, sino que se atraen, experimentan un ataque de risa. En coherencia, todo el dúo de amor del Acto II es una muestra de amor sosegado y burgués. Es todo ello muy curioso, pero puede ser -aunque la sublime música lo desmienta- porque desde el punto de vista teatral funciona como una posibilidad, con coherencia. Y, desde luego, la interacción entre los personajes es siempre sutil, matizada y muy verosímil y creíble. Es, me parece, una concepción tan heterodoxa como interesante. Lo que más me ha chirriado, o parecido innecesario, es la aparición en el Acto III de los padres de Tristán. Claro que no es lo único de la propuesta de Tcherniakov que no he comprendido. A saber...

El reparto ha sido casi en todo un gran acierto: Anja Kampe, con una voz lírico-dramática de primera, es una cantante consumada y una gran artista. La verdad es que Barenboim ha encontrado una dignísima sucesora de su Waltraud Meier. Quien más me ha llamado la atención ha sido, sin embargo, Andreas Schager. Es, vocalmente, el mejor Tristán de las últimas seis o siete décadas. Asombrosamente, además, llega intacto al final, sin el menor síntoma de agotamiento... ¡y sin haberse reservado en un solo momento! Si sigue así y profundiza un poco más en los pliegues del personaje, será el Tristán más completo desde hace mucho tiempo (no puedo sino sonreír al recordar que un crítico musical ¡¡muy wagneriano!! escribió, tras escucharle en Madrid un soberbio Acto I de La Walkiria, que no era en absoluto para Siegmund, pues poseía, como mucho, la voz de Mime...). Stephen Milling posee una espléndida voz de bajo y su encarnación del Rey Marke está realmente muy matizada, si bien flaquea algo en los extremos de la tesitura (la ausencia de René Pape ¿se deberá a que no estaba disponible?: es rara). Boaz Daniel, barítono de robusta voz, es un correcto Kurwenal. Pero queda aún una gratísima sorpresa: ¡la mezzo Ekaterina Gubanova es la Brangäne más admirable que he escuchado hasta la fecha! Su intervención, fuera de escena, en el dúo del Acto II advirtiendo a los amantes que se acerca el amanecer, es absolutamente antológica, excelsa. Muy bien Stephan Rügamer como Melot y el muy joven Linard Vrielink como Joven marinero y Pastor: un tenor a seguir. El también jovencísimo corno inglés del Acto III, que actúa en escena, es un fuera de serie: se llama Florian Hanspach-Torkildsen. Grabado el sonido por los Estudios Teldex de la capital alemana y filmado por Andy Sommer, podría ser que fuese publicado por BelAir. ¡Ojalá! Solo tendrán que corregir un estrepitoso fallo de una trompeta, al comienzo del encuentro entre los dos protagonistas. Por cierto, parece que el foso de la orquesta lo han hundido más de como estaba antes de la reforma del teatro; seguramente solo para Wagner, siguiendo el ejemplo de Bayreuth. Así la orquesta no tiene que atenuar su potencia. 

Médée con Sonya Yoncheva

Medea, la obra cumbre de Luigi Cherubini, que el mismísimo Beethoven admiraba, es una obra maestra, en la mejor tradición de Gluck, que apenas se representa debido a la dificultad extrema del rol titular, que precisa una soprano dramática vocalmente superdotada y a la vez una espléndida actriz. Desde Maria Callas son muy pocas las cantantes que se han atrevido con este endemoniado y magnífico personaje terriblemente trágico. Barenboim, que fuera de Verdi ha dirigido pocas óperas de autores italianos, ha escogido la versión del estreno, en francés (París, 1797). Hace solo un par de semanas metí la pata, hasta el fondo, en este blog comentando Iolanta de Tchaikovsky protagonizada por Sonya Yoncheva: criticaba que cantase Norma o Medea, como si se creyese Anna Netrebko, cuya evolución vocal ha sido insólita y espectacular. Pues bien: me retracto. Porque me he quedado de piedra al escuchar a Yoncheva en esta Médée, con una voz ya, pocos años después de ser una lírica, absolutamente dramática, timbradísima e impresionante que solo acusa como defecto un cierto trémolo, algo que puede desagradar poco o mucho (a mí, no mucho, en este caso). Pues bien, esta Medea suya es, de lejos, lo mejor que le he escuchado (que tampoco ha sido mucho, entre otras su algo decepcionante Norma en el Covent Garden, 2016). En la ópera de Cherubini su intensidad dramática, vocal, musical y escénicamente, es tremenda: no me lo podía esperar, y me parece digna de la mayor admiración. Sobrecogió con toda razón al público berlinés. Me ha gustado mucho más que Gwyneth Jones o Sylvia Sass, las dos intérpretes discográficas que conozco después de la furibunda Callas (no soy especialmente callista, pero su Leonora de Il Trovatore, su Tosca, su Gioconda, su Santuzza o su Medea me parecen impresionantes). 

Junto a Yoncheva estuvieron Charles Castronovo como Jason: voz interesante de tenor lírico ancho, que canta correctamente pero no siempre proyecta bien. Soberbia la mezzosoprano Marina Prudenskaja como Neris (todo lo que le he escuchado a esta mujer, sea Wagner o Verdi, me ha encantado). En cuanto a Elsa Dreisig como Glauce, me he encontrado con una destacada soprano lírica a la que no conocía: una cantante a seguir. En cambio, el barítono-bajo escocés Iain Paterson (Créon) me ha decepcionado por completo: sin ser muy mayor (55 años), da la impresión de estar acabado, fatigado, sin fuelle. No lo comprendo: es un señor que se dedica a cantar, no hace tiempo sino aún hoy, Wotan o el Holandés: ¡madre mía! ¿Será que tuvo una mala noche en esta Médée? No es eso lo que parece... 

La escena de Andrea Breth, en unos escenarios escuetos, feos, claustrofóbicos, desagradables (la terrible tragedia puede justificarlos) no me parece muy inteligible, aunque creo que tiene más que destellos de gran inteligencia. La dirección musical ha sido, por el contrario, reveladora: lejos de confundir a Cherubini con Verdi, parece acercarlo más a su antecedente Gluck. No hay más que escuchar la estupenda Obertura o el sensacional Preludio del Acto III para apreciar la impresionante creatividad y fuerza expresiva de este director, cuyo repertorio cada vez posee menos límites.